2012
2011
Reto Boller
Lothar Götz
David Reed
Gert & Uwe Tobias
Pae White
Alles Gerade lügt
November 26, 2011 – January 28, 2012 (group exhibition)
Drawing / Painting / Sculpture / Tapestry / Woodcut
2011
Lothar Götz – Mulholland Drive
August 28 – November 12, 2011 (solo exhibition)
Painting / Drawing
2011
Rowena Dring – There She Goes, My Beautiful World
May 28 – July 23, 2011 (solo exhibition)
Fabric application
2011
Christof Mascher
Teo Otto
Markus Selg
Zwischen Nichts und Allem
April 1 – May 21, 2011 (group exhibition)
Painting / Sculpture / Watercolour
2011
Nschotschi Haslinger – eisbrechen
January 21 – March 19, 2011 (solo exhibition)
Drawing / Collage / Gouache
2010
Almut Linde – Action and Object
November 5 – December 31, 2010 (solo exhibition)
Photography / Sculpture
2010
Walter Dahn
Felix Droese
Robert Hartmann
Imi Knoebel
Katharina Sieverding
Beuys und die Folgen
August 27 – October 23, 2010 (group exhibition)
Cut-out / Watercolour / Serigraphy / Photography
2010
Martin Spengler – Rauschen
May 29 – July 24, 2010 (solo exhibition)
Relief
2010
March 26 – May 22, 2010 (solo exhibition)
Painting / Sculpture
2010
Lothar Götz
Sarah Nschotschi Haslinger
Christof Mascher
E. S. Mayorga
Kei Takemura
L.G.S.N.H.C.M.E.S.M.K.T.
January 22 – March 20, 2010 (group exhibition)
Painting / Drawing / Sculpture / Installation
2009
Christoph Dettmeier
Rowena Dring
Esra Ersen
Joachim Grommek
Martin Spengler
C.D.R.D.E.E.J.G.M.S.
November 6, 2009 – January 16, 2010 (group exhibition)
Painting / Drawing / Photography / Relief
2009
Christof Mascher – M.Y.O.B.
August 28 – October 24, 2009 (solo exhibition)
Painting / Drawing / Sculpture
2009
E. S. Mayorga – The Fall Of The Good Taste
May 15 – July 11, 2009 (solo exhibition)
Video / Photography / Sculpture / Drawing
2009
Christoph Dettmeier – Private Land
March 13 – May 9, 2009 (solo exhibition)
Photography / Video / Drawing
2009
Kei Takemura – in that moment: where was she?
January 9 – March 7, 2009 (solo exhibition)
Installation / Drawing
2008
Esra Ersen – Perfect. Growing Older (Dis)Gracefully
November 7 – December 31, 2008 (solo exhibition)
Video-installation / Drawing
2008
Rowena Dring – Memory. Skyline and Landscape
August 29 – October 25, 2008 (solo exhibition)
Fabric application / Photography
2008
Sarah Nschotschi Haslinger – The Afternoon was a Desert in Front of me
June 20 – August 2, 2008 (solo exhibition)
Drawing / Gouache
2008
Lothar Götz – Mit Fritz im Beton Haus
May 3 – June 14, 2008 (solo exhibition)
Mural / Drawing
2011
Reto Boller
Lothar Götz
David Reed
Gert & Uwe Tobias
Pae White
Alles Gerade lügt
In den vergangenen Jahren wird häufig von einer neuen Abstraktion gesprochen. Doch was ist das Neue an dieser Tendenz? Es ist die inhaltliche Ungebundenheit und überwältigende ästhetische Bandbreite, die diese Varianten der Abstraktion auszeichnet. Es gibt schliesslich keine leitenden Schulen oder Ismen mehr, man kann frei wählen, ohne Legitimationszwang. Dem entsprechend spielt auch die allein auf sich bezogene Abstraktion kaum noch eine Rolle, vielmehr ihre Bezugspunkte zur von Wassily Kandinsky bezeichneten “Realistik”. In der Ausstellung “Alles Gerade lügt” wird also das inhaltliche wie formale Wechselverhältnis von Realismus und Abstraktion thematisiert. Es gibt gleichermassen individuelle Eskapismen wie auch Weiterführungen und Transformationen historischer Bezüge mit variierenden Bezugssystemen. Die spezifischen Elemente und Erfindungen historischer Abstrakt- und Realismus-Produktion werden heute zum Spiel- und Materialfundus der Künstler, sie bedienen sich ungezwungen und agieren wie Sampling-Agenten, die selektieren, dekonstruieren, kombinieren, etwas feiern oder zerstören, je nach individueller Vorliebe und Haltung. Die heutigen Vertreter abstrakter Spielarten sind nicht auf einen Nenner zu bringen, die Varianten sind nicht nur ästhetisch, sondern auch inhaltlich breit gefächert, sie reichen von historischer Bezugnahme, über architekturinspirierte Abstraktphantasmen, Muster- und Ornamentbearbeitungen, Material-, Licht- und Wahrnehmungsexperimenten, Ironisierungen und diskursiven Befragungen bin hin zu rein subjektiv basierten Ansätzen. Eine selbstverständliche Genreüberschneidung bietet zusätzliche neue kreative Impulse.
Sich derart gestalterisch denkend zu bewegen, in einer Art visueller Kreislauf, lässt sich metaphorisch in einer Szene in Friedrich Nietzsches “Zarathustras” erklären. Aus diesem Dialog ist auch der Titel der Ausstellung entlehnt. Im Kapitel ‘Gesicht und Rätsel’ spricht Zarathustra zum Zwerg: “Halt. Ich! Oder Du!” Beide stehen vor einem Torweg. Dieser hat zwei “Gesichter”, die Zarathustra so erklärt: “Zwei Wege kommen hier zusammen: die ging noch niemand zu Ende. Diese lange Gasse zurück: die währt eine Ewigkeit. Und jene lange Gasse hinaus – das ist eine andere Ewigkeit. Sie widersprechen sich, diese Wege; sie stossen sich gerade vor den Kopf – und hier, an diesem Torwege, ist es, wo sie zusammenkommen. Der Name des Torweges steht oben geschrieben: ‘Augenblick’.” Zarathustra fragt: „Glaubst du, Zwerg, dass diese Wege sich ewig widersprechen?” – “Alles Gerade lügt”, murmelt der Zwerg, “alle Wahrheit ist krumm, die Zeit selber ist ein Kreis.”
In der Ausstellung werden von Reto Boller eine Skulptur sowie Arbeiten auf Papier, von Lothar Götz zwei neue Gemälde sowie ein Frühwerk von 1993, von David Reed zwei seiner Studies, von Gert & Uwe Tobias ein farbiger Holzschnitt sowie von Pae White eine Tapisserie zu sehen sein.
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In recent years there has been much talk of a new abstraction. But what is new about this tendency? It is the thematic freedom and the overwhelming aesthetic bandwidth that characterizes these variations on the abstract. There are ultimately no dominant schools or -isms any more; choice is free, and free, what’s more, from the necessity to justify itself. Accordingly, self-centred abstraction plays almost no role any more, but rather the references to what Wassily Kandinsky called ‘Realistics’. In the exhibition ‘Straight Lines Always Lie’, then, the focus is on the thematic and formal interrelationship between Realism and Abstraction. There are, in equal measure, individual escapist tendencies just as there are continuations and transformations of historical references with varying frames of reference. The specific elements and inventions of historical abstract and realist production have become the pool on which the artists draw, using them effortlessly in the manner of sampling agents, who select, deconstruct, combine, celebrate or destroy, depending on individual preference and attitude. Today’s exponents of abstraction cannot be reduced to a common denominator; the variations cover a broad spectrum, not only aesthetically, but also thematically, ranging from historical references across architecturally inspired abstract fantasms, the processing of patterns and ornaments, experiments with material, light, and perception, ironic treatments and discursive questioning, all the way to subjectively based approaches. The crossing of genre boundaries is taken for granted, and provides additional new creative impetus.
This sort of creative thinking, in a kind of visual cycle, can be metaphorically explained by reference to a scene in Nietzsche’s ‘Zarathustra’. The title of this exhibition, in German ‘Alles Gerade lügt’, is also taken from this dialogue. In the chapter ‘Face and Riddle’ Zarathustra says to the dwarf: “Stop. I! Or You!” The two are standing in front of a gateway, which has two ‘faces’, which Zarathustra explains thus: “Two paths come together here, which no one ever travelled to the end. Back along this long lane, that takes an eternity. And out along that long lane, that is a different eternity. They contradict each other, these paths, they bang their heads together, and here, at this gateway, they meet. The name of the gateway is written above it: ‘Moment’.” […] Zarathustra goes on to ask: “Do you believe, dwarf, that these paths contradict each other eternally?” – “Straight lines always lie”, murmurs the dwarf, “all truth is crooked, time itself is a circle.”
Reto Boller will show a sculpture and works on paper, Lothar Götz two new paintings and one of his early works of 1993, David Reed two of his studies, Gert & Uwe Tobias a coloured woodcuts and Pae White a tapestry.
Lothar Götz – Mulholland Drive
Lothar Götz bindet in seine geometrisch-abstrakten Arbeiten ein Formenvokabular kunsthistorischer und architekturgeschichtlicher Vorläufer ein. So werden z.B. verschiedene Bildsprachen in der Serie “Rome” zusammengefügt. Götz hat hier in sechs Zeichnungen auf verschieden farbigem Papier konstruktivistische Bildelemente mit eigenen gestalterischen Vorstellungen kombiniert. Damit hat er utopische Planskizzen für mögliche Häuser von Personen entwickelt, die einen Bezug zur Hauptstadt Italiens haben.
Vor allem Josef Albers Bildsprache findet in Götz Werken eine besondere Beachtung. So taucht das Motiv der Raute immer wieder variiert auf – gestaucht, gestreckt, vertikal oder horizontal. Albers und Götz verbindet die Frage nach der Erweiterung der dreidimensionalen Raumgestaltung auf eine zweidimensionale Fläche.
In seiner neuen Zeichnungsserie “Constructions for Aleksandr Rodchenko” reduziert Götz diese räumlichen Konstellationen auf das Lineament. Linien in einer hellen Farbgebung sind auf schwarzen Karton gesetzt und verdichten sich zu einem Raumgefüge. Dreiecksformen in den Winkeln, die sich durch die Linienüberschneidungen ergeben, ergänzen in einer dieser Arbeiten die Komposition.
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Lothar Götz integrates a formal vocabulary of precedents in the history of art and architecture in his geometrical abstract drawings and paintings. The putting-together of different imageries is obvious in the series “Rome”. Here, in six works on different-coloured paper, Götz has combined constructivist picture elements with his own design ideas and thus developed utopian plans for possible houses by persons like the pope Innocent X., the futuristic painter Giacomo Balla or the architect Pier Luigi Nervi who had a relation to Italy’s capital.
In particular Josef Albers’s imagery has been given special attention in Götz’s works hitherto. Thus the motif of the lozenge turns up, always with major variations, compressed or stretched, vertically or horizontally. Albers and Götz are linked by the fundamental question of the extension of three-dimensional room design to a two-dimensional surface. In his new series “Constructions for Aleksandr Rodchenko” Götz reduces these spatial constellations to lineation. Pale lines on black board are placed and suggest a spatial situation. In one of these works the composition is expanded by the addition of triangular forms in the corners, resulting from the intersection of lines.
Rowena Dring – There She goes, My Beautiful World
Die Landschaftsmotive von Rowena Drings Stoffapplikationen stammen von Fotografien, die sie während ihrer zahlreichen Reisen aufnimmt. Die Fotografien werden gescannt und mit Hilfe des Computers in farbige Kontraste verwandelt. Dann beginnt der Nähprozess – aus einer Vielzahl einzelner Baumwollstoffstücke. Und das Patchwork aus Farbe und Form setzt sich zusammen. Der Realitätseffekt wird dadurch gesteigert, dass die Naht nicht nur als einfassende Linie für die Farbflächen eingesetzt wird. Um mehr Detailreichtum zu erlangen, nutzt Dring sie als Zeichnungslinie. Die Motive funktionieren aus der Ferne als Landschaftskonstruktionen, lösen sich aber aus der Nähe betrachtet in Abstraktionen auf. Gleichzeitig wird der zunächst malerische Eindruck auf die eigentliche Materialität gelenkt.
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The landscape motifs of Rowena Dring’s fabric applications derive from photographs which she takes on her numerous travels. The photographs are scanned and, on a computer, transformed into coloured contrasts. Then the sewing process starts, and the patchwork of colour and form is created. The reality effect is enhanced by the fact that the stitch is not just used to outline the colour fields. In order to obtain more wealth of detail, Dring uses it as one would a line in drawing. Thus the motifs function at a distance as landscape constructions, but, seen from close up, dissolve into abstractions. At the same time, the initially impression is shifted to the actual texture.
Christof Mascher – Teo Otto – Markus Selg
Zwischen Nichts und Allem
Zwischen Nichts und Allem
Der Ausstellungstitel ist einem Zitat von Teo Otto entnommen und drückt nach seiner Ansicht die Position eines Bühnenbildners und Künstlers aus, als “Mann des Hintergrundes”. Gleichzeitig werden in diesem Ausspruch die vielfältigen Möglichkeiten, die sich in einem Bühnenbild offenbaren, sei es durch die zahlreichen eingesetzten Materialien, das Licht und das Bild im Hintergrund, angedeutet.
Teo Otto war von 1927 bis 1931 als Bühnenbildner an der Staatlichen Oper in Berlin tätig, von 1933 bis zu seinem Tod 1968 künstlerischer Leiter der Ausstattung am Schauspielhaus in Zürich und ab 1958 Professor für Bühnenbildnerei an der Kunstakademie in Düsseldorf. Sein Werk ist Ausdruck und Nähe von Darstellender und Bildender Kunst. Seine Entwürfe waren Vorlage und Anweisung, das Publikum begriff sie in der Realisierung des Bühnenspiels als Kunstwerk. Er schrieb, “sobald die bildende Kunst zu neuen Realitätsbegriffen vorstösst, muss sie in Tuchfühlung mit der darstellenden Kunst geraten.” Zwei wesentliche Aspekte prägen das Schaffen von Teo Otto: sein alle Lebens- und Arbeitsfelder prägendes politisches Denken und Fühlen, gepaart mit dem Bedürfnis, unmittelbar auf die Entwicklungen der Zeit zu reagieren, sowie seine Unabhängigkeit von vorherrschenden Kunststilen. Beide Aspekte sind auch bei Markus Selg und Christof Mascher entscheidender Antrieb ihrer jeweiligen Auseinandersetzung. Die Ausstellung zeigt von Teo Otto Aquarelle für Bühnenbilder zu Stücken von Bertolt Brecht, Friedrich Dürrenmatt und William Shakespeare.
Von Markus Selg werden Arbeiten präsentiert, die in ihrem inszenierten Charakter im engen Kontext zur Bühnenthematik zu verorten sind, sie ist ein immer wiederkehrendes Motiv in seinen Werken. Dabei steht er in einem ständigen Dialog zwischen Gegenwärtigem und Historischem, dem Archaischen und Technoiden. Seine Inszenierungen sind begehbare Bühnen, die sich aus Skulpturen, Bühnenbildern und Vorgefundenem aus der jeweiligen Umgebung des Präsentationsortes zusammensetzen. Die Bühnenthematik findet sich auch in seinen filmischen Werken wieder, zum Beispiel in einer Inszenierung von Shakespeares “Macbeth” (2009). Die künstlerische Arbeit von Markus Selg ist durch eine mediale Verschmelzung von die Gegenwart prägenden Elementen gekennzeichnet – ein räumliches Szenario über den Menschen und seinen Entstehungs- bzw. Untergangsmythos.
Bei Christof Mascher finden sich bühnenartige Inszenierungen weniger in einer dreidimensionalen Entfaltung als vielmehr in seinen Gemälden und Aquarellen. Sie sind meist durch eine zwei- oder dreigeteilte Gliederung der Kompositionen gekennzeichnet, in denen unterschiedliche Szenarien in fliessenden Übergängen vereint werden. Christof Maschers Bilder entstehen aus diffusen Zuständen, quasi Erinnerungsnebeln, gewinnen an Schärfe und verwandeln sich sogleich wieder in andere Bilder, bis sie plötzlich oder langsam verschwinden. Sie erzählen von der Existenz als einer Art problematischen Traum für das Selbst. Die Zweifelhaftigkeit der Existenz wird in Metaphern vermittelt.
Nschotschi Haslinger – eisbrechen
Signifikant in Nschotschi Haslingers Arbeiten sind die kompositorische Vielfalt, die zahlreichen narrativen Ebenen und die mystische Mehrdeutigkeit, die in dem Bereich der Phantastik angesiedelt ist. Sie inszeniert Landschaften in Traumwelten, die die eigene Biografie und die zahlreichen Bilder der globalen Medienlandschaft einbinden. Die Bleistiftzeichnungen, Collagen und Gouachen sind in viele erzählerische Bühnen unterteilt. Dabei erscheinen die Gestalten in ihren Arbeiten in Bewegung und gleichzeitig im Stillstand zu verharren. Ihnen haftet eine Ambivalenz an. Auffälliges, stets wieder kehrendes stilistisches Merkmal sind die sich überlagernden Physiognomien der Figuren. Die Transparenz überlagerter Darstellungen offenbart Ungeahntes, das bis zur Sichtbarmachung nur der Künstlerin bekannt war. Haslinger lässt den Betrachter an ihren gedanklichen Strukturen während des Zeichnungsprozesses teilhaben.
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Significant for Nschotschi Haslinger’s works are the compositional variety, the numerous narrative planes and the mystical multiple ambivalence which has its roots in the sphere of fantasy. She stages landscapes in dream worlds which integrate her own biography and also the numerous images spawned by the global media scene. The pencil drawings, collages and gouaches are structured into a number of narrative stages. The figures in her works seem to be both in motion and at the same time frozen on the spot. They are ambivalent. A conspicuous, constantly repeating stylistic feature is the way that the physiognomies of individual figures overlap. The transparency of overlaid depictions thus achieved reveals un-dreamt-images which hitherto had only been known to the artist in question. Haslinger involves the beholder with her mental structures of the drawing process.
Almut Linde – Action and Object
Im Fokus des Dirty Minimal, der künstlerischen Praxis von Almut Linde, stehen existentielle Fragen unserer Zeit. Sie untersucht, wie gesellschaftliche Prozesse die Welt formen und was das Handeln des Individuums über die sozialen, psychologischen, ökonomischen und politischen Zwänge der Strukturen enthüllt.
Aus sozialen Ordnungseinheiten wie dem Militär, der Industrieproduktion oder Grenzbereichen menschlicher Existenz wie Menschenhandel und Zwangsprostitution extrahiert Linde signifikante Form. Minimal Art, Object Art und Concept Art finden Verwendung als Werkzeuge, die auf das eigentliche Material der Künstlerin – Realität – Anwendung finden und zu neuen Formen führen.
Die Arbeit von Almut Linde umfasst unterschiedliche Medien, die häufig die Intervention der Künstlerin und die Partizipation lokaler Akteure beinhalten. Diese formerzeugenden Aktionen kristallisieren sich in Fotografien, Skulpturen, Videos, Installationen, Zeichnungen und Texten, welche die heute scheinbar fest verankerte Trennung von Aktion und Objekt transzendieren.
In “Dirty Minimal #33.7 – Militärbefehl zum Besuch einer Ausstellung” führt die Intervention der Künstlerin zur Erstellung eines Befehls an die Soldaten, die Kunstausstellung in der Kaserne zu besuchen. Befehle stellen innerhalb der Bundeswehr den vorgegebenen Dienstweg zur Organisation von Aktionen dar. Die militärische Prozedur kollidiert mit der Idee des Selbstauftrages der Kunst und führt zu einem Objekt, das von beiden Systemen bestimmt ist – und beide zeigt.
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Almut Linde’s practice, the Dirty Minimal, focuses on the essential questions of our time. She investigates the formative processes of social systems and how they affect the individual’s ability to act within such systems.
By carrying out actions in tightly controlled social systems (e.g. the military, the industrial production, the human traficking and the forced prostitution), Linde extracts significant forms. The minimal art, the object art and the concept art are used as tools which apply to the essential material of the artist – reality – and lead to new forms.
The work of Almut Linde includes different media which often contain the intervention of the artist and the participation of local actors. The result of these form-producing actions are photographs, sculptures, videos, installations, drawings and texts which transcend the apparently profound distinction of action and object.
In her work “Dirty Minimal #33.6 – Military Order to Attend Art Exhibition”, Linde’s intervention leads to a military order for the soldiers to attend an art exhibition at the barracks. Military orders are the offical channel to organize actions within the German armed forces.
Walter Dahn – Felix Droese – Robert Hartmann
Imi Knoebel – Katharina Sieverding
Beuys und die Folgen
Die Kunst der 1970er Jahre ist ein großes Reservoir der Entwürfe. Der Erprobungs- und Experimentalcharakter vieler Werke dieser Zeit ist unter anderem in der Verwendung von einfachem Material evident. Ausgangspunkt sind die vielfältigen gesellschaftlichen Umbrüche und Krisen jener Jahre. Entwurf im Heidegger’schen Sinne mag etwas zu tun haben mit Offenlegen und Projizieren. Im Entwurf ist der Mensch der “Seinsvergessenheit” seiner Zeit voraus. Entwurf ist folglich nicht nur Skizze, sondern ebenso Zukunftsperspektive, im Bloch’schen Sinne Antizipation.
Gerade dies erscheint heute – da eine ständig sich verschärfende, mögliche und bereits reale Weltkrise vor Augen steht – bei einer erneuten Beschäftigung mit der Kunst der 1970er Jahre aktuell: Die Entwürfe jener Zeit erscheinen wie ein bisher nicht eingelöstes Versprechen, als ein Aggregat, dessen Ideenmaschine noch läuft.
Joseph Beuys ist einer der wichtigsten Wegbereiter jener Zeit. Die Ausstellung “Beuys und die Folgen” wirft die Frage auf, wie sich das Werk jener Künstler entwickelt hat, die sich zumindest zeitweilig in seinem direkten Umfeld aufhielten. Zu sehen sind von Walter Dahn Siebdrucke von 1985 bis 2007 (Unikate), von Felix Droese Aquarelle und Scherenschnitte von 1979 bis 1997 (Unikate), von Robert Hartmann Aquarelle aus der Serie “Max Stirner” (2007), von Imi Knoebel Scherenschnitte aus dem Jahr 1977 (Unikate) und von Katharina Sieverding Fotografien aus der 2009 entstandenen Reihe “Ressource Terabyte”.
Martin Spengler – Rauschen
Martin Spengler fertigt aus mehrschichtigem Wellpappenkarton raumgreifende Reliefe an. Ausgehend von fotografischen Vorlagen entstehen architektonische Motive, die Kathedralen und Wohnblöcke frontal, seitlich oder in Untersicht zeigen; ferner Stadtpanoramen aus der Vogelperspektive wie z.B. von Los Angeles, die die urbane Dichte von Mega-Cities eindrücklich vermitteln. Alle Arbeiten, so auch das Laub-Relief, setzen sich aus einer Vielzahl geometrischer Details und ornamentaler Strukturen zusammen. Dadurch, dass die Elemente unterschiedlich tief in den Karton geschnitten und geritzt werden, entsteht eine Tiefenwirkung, die zusätzlich verstärkt wird, indem der Künstler die Oberfläche seiner Arbeiten mit einer weissen, kalkhaltigen Farbe monochrom übermalt, wobei er die Schnittkanten abschliessend mit Graphit überzeichnet.
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Martin Spengler will exhibit reliefs that consist of a number of layers of corrugated board. Based on photography they depict architectonic motifs such as cathedrals and block of flats (from frontal view or below shot); moreover they show panoramas of cities such as Los Angeles (from the bird’s-eye view), which give an impression of the urban density of mega-cities. All works – including the “leaves”-relief – are composed of a multiplicity of geometric details and ornamental structures. By cutting and scratching to varying depths into the board, Spengler achieves a three-dimensionality which is further enhanced by the artist’s monochrome covering of the surface of his works in a white, lime-containing paint, before drawing over the cut edges in graphite.
Joachim Grommek
Joachim Grommek verweist in seiner Malerei auf Künstler wie Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian, Blinky Palermo oder Robert Ryman. Für seine Bilder verwendet er Spanplatten, die er weiss grundiert. Diese Grundierung wird exakt wieder so übermalt, wie die Oberfläche der Spanplatte ursprünglich aussah. Damit beginnt das Spiel zwischen Illusion und Täuschung. Was der Künstler anfangs verdeckte, bringt er als Illusion wieder ans Licht. Täuschend echt werden nun Klebestreifen auf den so bearbeiteten Bildträger gemalt, dass man meint, sie abziehen zu können. Joachim Grommek bearbeitet die Spanplatte solange, bis sie vollkommen in eine geometrisch abstrakte Malerei überführt ist.
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In his painting Joachim Grommek refers to artists such as Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian, Blinky Palermo or Robert Ryman. He uses plywood panels that he primes. Then he paints the primer over in exact the way how the structure of the plywood formely looked like. The interplay of illusion and deception begins. That what the artist covered first, he brings to light as an illusion. After this step Joachim Grommek paints “adhesive stripes” that can supposedly be peeled off. He simulates by plan until the grounding becomes the figure, and the geometrically abstract image emerges.
Lothar Götz – Sarah Nschotschi Haslinger – Christof Mascher –
E. S. Mayorga – Kei Takemura
L.G.S.N.H.C.M.E.S.M.K.T.
Lothar Götz (*1963) wird neue Buntstiftzeichnungen aus der Bauhaus-Serie zeigen, die nach Vorlagen von Künstlern wie Josef Albers, El Lissitzky und László Moholy-Nagy entstanden sind. Ferner sind kleinformatige Zeichnungen zu sehen. Alle Arbeiten spielen mit geometrischen Grundformen und einer Vielfalt von Farbintensitäten, die aus einer experimentellen wie intuitiven Praxis entstehen. Zwischen Linie und Farbfeld, Fläche und Raum, zwischen Rationalität und Intuition entspannt sich eine künstlerische Vorstellung, deren ursächlicher Reiz und Essenz die Fantasie ist.
Sarah Nschotschi Haslinger (*1982) zeigt Gouachen und Collagen. Die kompositorische Vielfalt, die zahlreichen, erzählerischen Ebenen in ihren Arbeiten, ihre mystische Mehrdeutigkeit, die in dem Bereich der Phantastik angesiedelt ist, bewirken eine Spannung zwischen dem Möglichen und Unmöglichen. Auffälliges, stets wiederkehrendes stilistisches Merkmal sind die sich überlagernden Physiognomien verschiedener Figuren.
Bilder und Zeichnungen, die mit utopischen Architekturen, mit Facetten des Traums sowie mit dem Phänomen des Phantastischen arbeiten, sind Christof Mascher (*1979) zuzuschreiben. In bühnenhaft gestaffelte, melancholische Landschaften werden leere architektonische Gebilde eingebettet. Einen zentralen Platz in den Kompositionen nehmen skurrile Wesen ein.
In seinen Arbeiten greift E. S. Mayorga (*1975) Motive des Unheimlichen auf. Ausgehend von Edgar Allan Poes Kurzgeschichte “Der Untergang des Hauses Usher” sind Objekte entstanden, die sich mit dem Haus und seiner abgründigen Stimmung in dieser Geschichte befassen. Schwarze Häuser, über denen dunkle Wolkenmobilee schweben, spiegeln sich in schwarzen Seen aus Öl.
Mit zwei raumgreifenden Installationen aus gazeartigem Stoff und Zeichnungen ist Kei Takemura (*1975) präsent. Der frei vor der Wand schwebende Stoff ist dabei mit japanischer Seide bestickt. In Japan wird diesem Material eine Haltbarkeit von 1000 Jahren nachgesagt. Aus der Erinnerung heraus rekonstruiert die Künstlerin Räume und Interieurs. Dinge, die sie besonders gut erinnert, werden mit Seide ausgearbeitet und auf diese Weise zeitlich fixiert.
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Lothar Götz (*1963) will show new coloured pencil drawings from the series “Bauhaus” based on works by artists like Josef Albers, El Lissitzky and László Moholy-Nagy. Also on display are A4-size drawings which play with basic geometric forms and a wide variety of colour intensies resulting from an experimental as well as intuitive practice. Between line, colour field, area and space, between rationality and intuition an artistic imagination spreads, the causal attraction and essence of which is fantasy.
Sarah Nschotschi Haslinger (*1982) presents new gouaches and for the first time collages. The compositional variety, the numerous narrative planes in Haslinger’s works, her mystical multiple ambivalence which has its roots in the sphere of fantasy, all bring about a tension between the possible and the impossible. A conspicuous, constantly repeating stylistic feature is the way that the physiognomies of the individual figures overlap.
Paintings and drawings will be presented by Christof Mascher (*1979). His pictorial worlds are characterized by utopian architectures, the facets of dreams and the phenomenon of the fantastical. Empty historical buildings are incorporated into melancholic landscapes composed of horizontal stages. Droll figures occupy an important place in these compositions.
E. S. Mayorga (*1975) takes motifs of the uncanny and the spooky. Based on the short story “The Fall of the House of Usher” by the American writer Edgar Allan Poe, Mayorga has created objects which concern themselves with the house and its mysterious atmosphere in this story. Thus his black domestic houses, above which dark clouds float, are reflected in black lakes of oil.
Two space-filling installations by Kei Takemura (*1975) will be exhibited. The works consist of gauze-like fabric and drawings. The fabric, hanging freely in front of the wall, is embroidered with Japanese silk. In Japan silk is ascribed a lifetime of 1,000 years. The artist uses it to recall spaces and certain objects within these spaces from memory, and to fix them in time.
Christoph Dettmeier – Rowena Dring – Esra Ersen –
Joachim Grommek – Martin Spengler
C.D.R.D.E.E.J.G.M.S.
Von Christoph Dettmeier (*1966) ist eine Auswahl aus seiner Foto-Serie “Stalker” zu sehen. Der Titel bezieht sich auf den gleichnamigen Science-Fiction-Roman der russischen Brüder Strugatzki. Vor dem Hintergrund der “Unorte”-Theorie des französischen Philosophen Marc Augé hat Dettmeier leere, verlassene Industrielandschaften in Berlin fotografiert. Bei diesen Aufnahmen wurden räumliche und architektonische Eigenheiten mit schwarzer Folie so verändert, dass sie eine surreale Wirkung erhalten.
Rowena Dring (*1970) betreibt ein Wechselspiel von Idylledarstellung und ihrer Verneinung. Sie zeigt Landschaftsbilder, die auf der Grundlage eigener fotografischer Vorlagen entstanden sind. Auf den ersten Blick sieht alles wie Malerei aus, doch auf den zweiten erkennt man sofort, dass es sich um genähte Bilder handelt. Die Motive sind auf Flächen und Konturen reduziert und aus einzelnen Baumwollstoffstücken zusammengenäht. Die Naht wird dabei als Zeichnungslinie verwendet, um den Motiven mehr Detailreichtum zu verleihen und den Realitätseffekt zu steigern.
Im Zusammenhang mit ihrer Videoinstallation “Perfect – Growing Older (Dis)Gracefully” hat Esra Ersen (*1970) die Zeichnung “before & after” entwickelt. Diese verweist auf das Make over einer alteingesessenen Bewohnerin Liverpools namens Helen, deren äusseres Erscheinungsbild in Analogie zur radikalen Erneuerung der Stadt Liverpool komplett verändert wird. Auffallend an Helen ist ihr weisses, lockiges Haar, das in einer Szene des Videos von hinten aufgenommen wird. Später trägt die Protagonistin eine dunkle Perücke. Ersen hat Helens Haare als Motiv für ihre zweiteilige Arbeit genommen, die aus sich überlagernden Linien besteht und den Zustand vor und nach der Veränderung festhält.
Die Malerei Joachim Grommeks (*1957) ist präzise und zugleich eine raffinierte Illusion, die den Betrachter zunächst in die Irre führt. Er verwendet Spanplatten und bemalt sie mit der Struktur einer Spanplatte. Er arbeitet am Rand wie Robert Ryman oder mit einem Raster wie Piet Mondrian oder Blinky Palermo. Und er malt “Klebestreifen”, die sich scheinbar abziehen lassen. Alles, was man auf Grommeks Bildern sieht, ist im Trompe-l’œil-Effekt GEMALT.
Martin Spengler (*1974) ist mit einem Relief aus mehrschichtigem Wellpappenkarton vertreten. Es stellt einen Wohnblock dar, der sich aus einer Vielzahl geometrischer Details aufbaut, die Spengler in den Karton unterschiedlich tief hineinschneidet oder -ritzt. Dadurch entsteht eine Tiefenwirkung, die zusätzlich verstärkt wird, indem der Künstler die Oberfläche der Arbeit mit einer weißen, kalkhaltigen Farbe monochrom übermalt, wobei er die Schnittkanten abschliessend mit Graphit überzeichnet.
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A selection of photographs from the series “Stalker” by Christoph Dettmeier (*1966) will be seen. It refers to the same-titled science fiction novel by the Russian brothers Strugatzki. Based on the theory of non-places by the French philosopher Marc Augé, Dettmeier took photographs of empty, abandoned industrial estates in Berlin. Spatial and architectonic pecularities of these exposures are surreal altered with black film.
Rowena Dring (*1970) is engaged in an interplay of idyll representation and its negation. She shows landscape paintings whose starting point are her own photographs. At first glance everything looks like painting, but upon closer inspection one realizes at once that these pictures are not painted but sewn. The motifs are reduced to areas and contours. These remnants are sewn together from individual cotton fragments by the artist. Dring uses the sewn lines as drawing lines to add more detailed lineament to her motifs. By doing this she intensifies the effect of reality.
In conjunction with her video-installation “Perfect – Growing Older (Dis)Gracefully” Esra Ersen (*1970) developed the drawing “before & after”. This work refers to the make over of Helen – a long established inhabitant of Liverpool. Her external appearance will be completely changed in the video – on the analogy of the radical renewal of the city of Liverpool. Helen is conspicuous by her white and curly hair that is taped up from behind in one sequence. Later on the protagonist has a dark brown peruke. Ersen used Helen’s hair as a motif for her drawing which consists of overlapped lines and depicts the condition before and after the change.
The painting by Joachim Grommek (*1957) is precise and also a subtle delusion which leads the viewer astray at first. He uses plywood chanels and paints them with the structure of plywood. He works at the edges like Robert Ryman or with a grid like Piet Mondrian or Blinky Palermo. And he paints „adhesive strips“ that can supposedly be peeled off. Everything you can see in Grommek’s pictures is PAINTED.
Martin Spengler (*1974) exhibits a relief that consists of a number of layers of corrugated board. It depicts a block of a flat, composed of a multiplicity of geometric details and ornamental structures which Spengler cuts or scratches to varying depths into the board. The result is a three-dimensionality which is further enhanced by the artist’s monochrome covering of the surface of the work in a white, lime-containing paint, before drawing over the cut edges in graphite.
Christof Mascher – M.Y.O.B.
Christof Maschers Werk umfasst Malerei, Zeichnung und Skulptur. Seine Bildwelten arbeiten mit utopischen Architekturen, mit Facetten des Traums sowie mit dem Phänomen des Phantastischen. In bühnenhaft gestaffelte, melancholische Landschaften werden leere historische Gebilde eingebettet, bei denen sich orientalische mit abendländischen Bauelementen vermischen. Einen zentralen Platz in Maschers Kompositionen nehmen skurrile Wesen ein. Diese geheimnisvollen Figuren sind naturwissenschaftlich nicht zu identifizieren, verdeutlichen aber, dass die Situation des Phantastischen vor allem dann entsteht, wenn das Andere, das Un- oder Überwirkliche in die Alltagswelt einbricht. Maschers Arbeiten sind Bilder aus dem inneren Labor.
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Christof Mascher’s work includes painting, drawing and sculpture. His pictorial worlds are characterized by utopian architectures, the facets of dreams and the phenomenon of the fantastical. Empty historical buildings which combine oriental and occidental elements are incorporated into melancholic landscapes composed of horizontal stages. Droll figures occupy an important place in Mascher’s compositions. These mysterious creatures are not scientifically identifiable, but they make clear that the situation of the fantastical comes about all when the other, the unreal or surreal breaks into the everyday world. Mascher’s works are pictures from the internal laboratory.
E. S. Mayorga – The Fall Of The Good Taste
In der Ausstellung werden fotografische Arbeiten im Verbund mit Video, Objekt und Zeichnung gezeigt. In seinen Werken greift der mexikanische Künstler E.S. Mayorga Motive des Unheimlichen und Gespenstischen auf. Er nimmt sie als visuelle Bausteine und kombiniert sie auf innovative und spannende Weise neu. Ausgehend von der Kurzgeschichte “Der Untergang des Hauses Usher” des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe sind Arbeiten entstanden, die sich mit dem Haus und seiner abgründigen Stimmung in dieser Geschichte befassen: So spiegeln sich Mayorgas schwarze Hausobjekte, über denen dunkle Wolken schweben, in schwarzen Seen. Seine gezeichneten Häuser verwandeln sich, lösen sich auf oder nehmen animalische Formen an und seine s/w Fotografien zeigen leere, in Wasser gespiegelte Häuser. Die Begegnung mit dem Unheimlichen ist allgegenwärtig, vor allem im Video “The Murderer From La Esmeralda”, das vorgibt, eine Fernsehsendung zu sein.
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Photography, video, object and drawing will be shown. The Mexican artist E.S. Mayorga takes motifs of the uncanny and the spooky as visual building-blocks and combines them in innovative and exciting ways. Based on the short story “The Fall of the House of Usher” by the American writer Edgar Allan Poe, Mayorga has created works which concern themselves with the house and its mysterious atmosphere in this story. Thus his black domestic houses, above which dark clouds float, are reflected in black lakes. His drawings of houses are transformed, they dissolve, or assume animal forms, and his b/w photographs depict empty houses reflected in the water. The encounter with the uncanny is omnipresent, especially in the video “The Murderer From La Esmeralda”, that pretends to be a television programme.
Christoph Dettmeier – Private Land
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografie und Video. Aus der Serie “Private Land” ist eine Auswahl von Fotografien zu sehen, die leere Landschaften, vor allem Industrieareale in Detroit, Berlin und dem Ruhrgebiet zeigen. Sie besitzen eine eigene, brüchige Atmosphäre und bezeichnen zeitlose Unorte. An ihnen scheint ein Zeitfenster zwischen dem bereits Vergangenen, das noch sichtbar und spürbar ist, und etwas Neuem, das sich ankündigt, aufzugehen und die so umgebene Realität aufzuheben. Dieser Moment des Surrealen ermöglicht dem Künstler, über die Grenzen der Dokumentation hinauszugehen. Im Video “They’re hanging me tonight” werden diese Fotografien mittels Diaprojektion wieder Teil einer großen mythisch aufgeladenen Landschaft. Ferner zeigt Christoph Dettmeier seine Serie “Stalker”. Dabei handelt es sich um s/w Fotografien, in denen die Landschaft mit schwarzer Folie futuristisch verändert sind.
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The exhibition focuses on photography and video works. A selection of photographs from the series “Private Land” can be seen, depicting empty landscapes, in particular industrial estates in Detroit, Berlin and the Ruhr. They have a friable atmosphere all of their own, and come across as being timeless non-places. They seem to open up a time-window between the already past, the still visible and something yet to come and thus to do away with reality. This element of the surreal enables the artist to transcend the boundaries of documentation. In the video “They’re hanging me tonight” these photographs, projected as slides, become a part once more of a great mythically charged landscape. In addition, Christoph Dettmeier is exhibiting his series “Stalker” – b/w photographs in which the landscape is mysteriously altered with black film.
Kei Takemura – in that moment: where was she?
Schwerpunkt der Ausstellung bilden raumgreifende Installationen, die aus gazeartigem Stoff und Zeichnungen bestehen. Der frei vor der Wand schwebende Stoff ist dabei mit japanischer Seide bestickt. Der Seide kommt in Takemuras Werk eine essentielle Rolle zu, denn in Japan wird ihr eine Haltbarkeit von 1000 Jahren zugeschrieben. Der Künstlerin dient sie dazu, Räume und bestimmte sich darin befindliche Gegenstände aus der Erinnerung wieder aufscheinen zu lassen und sie zeitlich festzuhalten. Damit arbeitet Takemura sensibel mit dem Motiv der Vergänglichkeit. Darüber hinaus wird eine Serie kleinformatiger Aquarellzeichnungen gezeigt, die das Leben der Person N.N. in Berlin in einzelnen, erzählerischen Momentaufnahmen wie ein Filmskript widerspiegeln.
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The exhibition focuses on space-filling installations consisting of gauze-like fabric and drawings. The fabric, hanging freely in front of the wall, is embroidered with Japanese silk. Silk plays an essential role in Takemura’s work, because in Japan it is ascribed a lifetime of 1,000 years. The artist uses it to recall spaces and certain objects within these spaces from memory, and to fix them in time. Takemura works sensitively with the motif of transience. In addition, she is exhibiting a series of small watercolours, which reflect the life of a nameless person in Berlin in individual narrative snapshots, as in a film script.
Esra Ersen – Perfect. Growing Older (Dis)Gracefully
In der Ausstellung wird die türkische Künstlerin Esra Ersen ihre Videoinstallation “Perfect – Growing Older (Dis)Gracefully” zeigen. Im Mittelpunkt dieser Arbeit steht Helen, eine ältere Dame aus Liverpool, die sich einem Wandel ihres äusseren Erscheinungsbildes unterzieht. Schritt für Schritt kann der Betrachter die Veränderungen verfolgen: angefangen beim jugendlichen Make-up bis zur altersuntypischen Kleidung und den High-Heels. Am Ende des Videos erscheint die Protagonistin als eine Frau, die sich mittels kosmetischer Eingriffe optisch verjüngen liess, sich aber selbst treu geblieben ist.
Diese oberflächliche Veränderung an Helen wählte Esra Ersen als Metapher für die Stadt Liverpool. 2006, als das Video entstand, befand sich die Stadt in einer radikalen Erneuerung im Zuge der Ernennung als europäische Kulturhauptstadt. Die Umgestaltungen sollten ein neues Liverpool präsentieren und damit eine neue Identität stiften. Doch ähnlich wie bei Helen wurde lediglich die Fassade verschönert, aber keine grundlegende Veränderung vollzogen.
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In this exhibition the Turkish artist Esra Ersen will show her video-installation “Perfect – Growing Older (Dis)Gracefully”. This work focuses on Helen, an elderly lady from Liverpool, who is undergoing a transformation in her external appearance. Step by step, the beholder can follow the changes, starting with youthful make-up, and going on to clothing and high heels not typical of one her age. At the end of the video the protagonist appears as a woman who has undergone a visual rejuvenation by means of cosmetic surgery, while remaining true to herself.
Esra Ersen has chosen this superficial alteration in Helen’s appearance as a metaphor for the city of Liverpool. In 2006, when the video was made, the city was in the middle of a radical renewal in the context of its nomination as European Capital of Culture. The makeover was intended to present a new Liverpool and thus create a new identity. But like Helen, only the façade was beautified: no fundamental changes were brought about.
Rowena Dring – Skyline. Landscape and Memory
Rowena Dring betreibt ein Wechselspiel von Idylledarstellung und Idylleverneinung. Ausgangspunkt ihrer Landschaftsbilder sind selbst gefertigte Fotografien. Auf den ersten Blick sieht bei Dring alles wie Malerei aus, doch beim zweiten erkennt man sofort, dass es sich keineswegs um gemalte Bilder handelt, sondern um genähte. Die Motive sind auf Flächen und Konturen reduziert und aus Baumwolleinzelfragmenten zusammengenäht. Die Naht wird dabei nicht nur als einfassende Linie verwendet, sondern auch als Zeichnungslinie, um den Motiven mehr Detailreichtum zuzufügen. Dadurch steigert Dring den Realitätseffekt. Ihre Idyllen sind bei allem Detailreichtum stets nur leere Oberflächen einer idealisierten Natur.
Neben ihren Bildern stellt die britische Künstlerin erstmalig auch Fotografien aus. Im Mittelpunkt dieser Arbeiten stehen die Geisterstädte aus Arizona, die nicht als Dokumentation verlassener Orte dienen, sondern den Geist einer brüchigen Romantik und Mystik aufnehmen.
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Rowena Dring is engaged in an interplay of idyll representation and idyll negation. At first glance everything in her work looks like painting, but upon closer inspection one realizes at once that these pictures are not painted but sewn. Dring uses photographs she takes on her many journeys. The motifs of landscapes are reduced to areas and contours. These remnants are sewn together from individual cotton fragments by the artist. Dring uses the sewn lines as drawing lines to add more richness of detail and more detailed lineament to her motifs. By doing this she intensifies the effect of reality. For all richness of detail, Dring’s idylls are never anything but the empty surface of an idealized nature.
Aside from her painting, the photographs of the British artist will be exhibited for the first time. In their core are the ghost towns of Arizona, which do not serve as a documentation of abandoned places, but take up the theme of a brittle romanticism and mysticism.
Nschotschi Haslinger – The Afternoon was a Desert in Front of me
Nschotschi Haslingers Werk umfasst Blei- und Buntstiftzeichnungen sowie Gouachen und Aquarelle. Hieraus wird eine Auswahl von 14 Werken zu sehen sein. Die kompositorische Vielfalt, die zahlreichen, erzählerischen Ebenen in ihren Arbeiten, ihre mystische Mehrdeutigkeit, die in dem Bereich der Phantastik angesiedelt ist, bewirken eine Spannung zwischen dem Möglichen und Unmöglichen. Auffälliges, stets wiederkehrendes stilistisches Merkmal sind die sich überlagernden Physiognomien verschiedener Gestalten und Mischwesen. Eben diese Überlagerungen vergleicht die Künstlerin mit einzelnen übermalten Motivschichten von Gemälden Alter Meister, die erst durch Röntgenaufnahmen wieder sichtbar gemacht werden können. Die Begierde nach dem Verborgenen ist für Haslinger eine innere Notwendigkeit.
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Nschotschi Haslinger’s work includes drawings not only in graphite and coloured-pencil but also in gouache and Indian ink. A selection of 14 of these works is on show here. The compositional variety, the numerous narrative planes in Haslinger’s works, her mystical multiple ambivalence which has its roots in the sphere of fantasy, all bring about a tension between the possible and the impossible. A conspicuous, constantly repeating stylistic feature is the way that the physiognomies of the individual figures and hybrid beings overlap. It is precisely these overlaps which the artist compares with individual overpainted motif layers in the paintings of the Old Masters which are only revealed by X-rays. The desire for the hidden is for Haslinger an inner necessity.
Lothar Götz – Mit Fritz im Beton Haus
Für die erste Ausstellung in der neueröffneten Galerie wird der deutsche Künstler Lothar Götz eigens eine raumgreifende Wandarbeit realisieren, als deren Grundlage eine Zeichnung von Josef Albers dient. Ferner werden Buntstiftzeichnungen aus der Bauhaus-Serie sowie DIN A4-Zeichnungen, die auf Grundrisse und Bauten des Schweizer Architekten Mario Botta Bezug nehmen, gezeigt. Alle Zeichnungen spielen mit geometrischen Grundformen und einer Vielfalt von Farbintensitäten, die aus einer experimentellen wie intuitiven Praxis entstehen. Zwischen Linie und Farbfeld, Fläche und Raum, zwischen Rationalität und Intuition entspannt sich eine künstlerische Vorstellung, deren ursächlicher Reiz und Essenz die Fantasie ist. Götz’ Arbeiten sind durch eine hohe Affinität zur Architektur gekennzeichnet. Eigentümliche Raummerkmale und architektonische Konstruktionen werden aufgenommen und ihre geometrischen Prinzipien durch eine intensive Farbgebung verstärkt.
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For the first exhibition in the newly opened gallery the German artist Lothar Götz will present a specially created room-filling mural based on a drawing by Josef Albers. Also on display will be coloured pencil drawings from the Bauhaus series and A 4-size drawings making reference to the plans of the Swiss architect Mario Botta. All drawings play with basic geometric forms and a wide variety of colour intensies resulting from an experimental as well as intuitive practice. Between line, colour field, area and space, between rationality and intuition an artistic imagination spreads, the causal attraction and essence of which is fantasy. Götz’s works bear the mark of a close affinity to architecture. Peculiar spatial characteristics and architectonic constructions are taken in and enhanced by an intense colouring based on geometrical principles.